La Danza di Comunità rappresenta una delle frontiere più innovative del teatro sociale contemporaneo, unendo l’espressione artistica all’inclusione e al benessere collettivo. Attraverso il superamento del concetto elitario di performance, questa disciplina trasforma il movimento in uno strumento di emancipazione, dialogo interculturale e coesione sociale.
Europa – Unire Interno ed Esterno
Le origini della danza di comunità si snodano lungo un doppio binario geografico e concettuale, oscillando tra le avanguardie europee dell’inizio del Novecento e la rivoluzione postmoderna americana degli anni ’60.
In Europa, la figura chiave è Rudolf Laban, considerato il padre fondatore della danza contemporanea e della coreutica.
- L’esperienza di Monte Verità: Nei primi decenni del Novecento, Laban radunò una comunità di artisti, intellettuali e non professionisti sulla collina svizzera di Ascona.
- La filosofia inclusiva: Il suo pensiero si fondava sul celebre assioma secondo cui “ogni essere umano è un danzatore”. La danza non era un privilegio per pochi corpi eletti, ma un’esperienza universale accessibile a tutti.
- Armonia tra interno ed esterno: Attraverso i suoi “cori in movimento” e le esperienze di tipo rituale, Laban intendeva riconnettere la dimensione interiore dell’individuo (emozioni, impulsi, spiritualità) con quella esteriore (lo spazio fisico, la relazione con l’altro).
America – L’attivismo postmoderno
Negli Stati Uniti degli anni ’60, la danza di comunità si lega indissolubilmente ai movimenti per i diritti civili e alla Postmodern Dance. La pioniera assoluta di questo approccio è Anna Halprin.
- Danza come guarigione: La Halprin portò la danza fuori dai teatri tradizionali, lavorando nei contesti marginali e curativi, in particolare con malati di cancro e di AIDS.
- Inclusione delle minoranze: I suoi laboratori pionieristici divennero spazi di aggregazione e catarsi per gruppi storicamente discriminati: comunità afroamericane, movimenti femministe e collettivi omosessuali. La danza si trasformò così in un atto di resistenza politica e di cura collettiva.
Fra Etica ed Estetica
Negli ultimi vent’anni la Danza di Comunità ha vissuto un’evoluzione radicale, uscendo dalla dimensione isolata del laboratorio per rispondere a un’insistente domanda di teatralità diffusa all’interno della società contemporanea.
Come evidenzia Alessandro Pontremoli (docente di Storia della Danza al DAMS di Torino e autore di Elementi di teatro educativo, sociale e di comunità), questo fenomeno è il sintomo di un’istanza profonda e radicale di comunicazione e relazione.
- Il vuoto dei riti di passaggio: Nelle società antiche, i riti collettivi sancivano i cambi di status e l’introduzione progressiva dell’individuo nella realtà sociale. La scomparsa di questi dispositivi nelle comunità odierne ha lasciato l’uomo contemporaneo privo di spazi di validazione, generando un intenso e inascoltato desiderio di rappresentazione di sé.
- Il dramma sociale: Quando questa legittima esigenza espressiva non trova luoghi adeguati, protetti e accoglienti, rischia di sfociare in un profondo isolamento, alimentando la contrapposizione, il conflitto e il disagio sociale.
- Il paradigma estetico: La rimozione del malessere non richiede soltanto un intervento etico (di assistenza), ma soprattutto un paradigma estetico. Riattivare la comunicazione corporea e teatrale significa offrire una risposta sensibile e artistica a questo bisogno di relazione, ponendosi sia come premessa per fondare una comunità reale, sia come celebrazione della vita di una comunità già in atto.
Migliorare le Relazioni
La pratica della Danza di Comunità scardina i canoni della danza accademica per rimettere al centro l’autenticità del corpo.
- Il coinvolgimento dei non professionisti: La disciplina accoglie corpi di ogni età, abilità e provenienza, azzerando il giudizio tecnico.
- La ricerca del gesto naturale: Non si studiano passi codificati o coreografie preimpostate. La ricerca si concentra su una gestualità spontanea, quotidiana, conosciuta e non costruita.
- Il coreografo come maieuta: Il conduttore non impone una propria visione artistica, ma opera secondo un approccio maieutico e costruttivo. Il suo compito è far emergere, valorizzare e strutturare i gesti e i movimenti che sono già segretamente custodi nell’individuo.
Obiettivi e Campi d’Azione
Attraverso il movimento creativo, la danza di comunità trasforma il corpo in uno strumento immediato per:
- Il riconoscimento del sé e del gruppo: Favorisce la consapevolezza della propria identità e la percezione empatica dell’altro.
- La valorizzazione culturale: Riconosce e rispetta le specificità storiche e antropologiche del territorio e del gruppo di riferimento.
- L’intervento nelle fragilità: Agisce con efficacia nei contesti di emergenza umanitaria, nelle aree di disagio sociale, nei percorsi educativi e scolastici e nei processi di integrazione interculturale.
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